The Strangers

Director: Bryan Bertino
Estados Unidos, 2008

El cine de terror estadounidense ha caído en un limbo del cual no ha podido librarse. En los últimos años no creo que pueda contar más de 5 películas que me hayan llamado la atención en este género, y no creo que sea para nada halagador que dentro de esa pequeña lista se encuentren dos remakes dirigidos por directores europeos: The Texas Chainsaw Massacre y The Hills Have Eyes. Recientemente Hollywood ha vuelto su cara al lejano oriente y ha intentado regenerarse esta vez con remakes de películas asiáticas de las cuales la mayoría han sido olvidadas rápidamente.

The Strangers es una película de “bajo” presupuesto y protagonizada por Scott Speedman (Felicity, Underworld) y Liv Tyler (duh). La película está inspirada en hechos reales y cuenta la historia de una pareja que está siendo acechada por un grupo de enmascarados en una casa donde pensaban celebrar su compromiso como pareja. La trama no podría ser más sencilla pero es en la ejecución de la misma donde brilla esta película. A pesar de su limitado presupuesto (unos $8 millones de dólares, muy por debajo de lo estándar en Hollywood) el director/escritor logra de manera efectiva plasmar una simple historia y convertirla en algo terrorífico.

Visualmente se destaca la “hand-held camera” que le da un toque de realismo a las escenas. y las tomas abiertas en los exteriores. Asimismo, la música acentúa lo escalofriante de la situación en conjunto con las diferentes canciones que oímos durante la película provenientes de un viejo tocadiscos, entre ellas una canción de Joanna Newsom.

En mi opinión es una buena película de terror que cumple su propósito. No es una obra maestra y también presenta ciertos clichés del género pero tiene varios atributos que la resaltan de entre otras películas del montón. Se dejan muchas preguntas al aire, lo cual lamentablemente para muchos espectadores que siempre desean conocer la respuesta a todo, será un punto negativo. Espero que este director continúe en esta senda con su nuevo proyecto "Alone", donde también cumple el papel de escritor (http://www.imdb.com/title/tt1084944/).

Incautos

Director: Miguel Bardem
España, 2004



Película española dirigida por Miguel Bardem, primo del actor Javier Bardem, aunque sin duda mucho menos conocido que el ganador del Oscar. Sus películas tienden a ser muy “normales” y en realidad en su filmografía no hay nada que resalte mucho (la única excepción sería “La Mujer Más Fea Del Mundo”, http://www.imdb.com/title/tt0201721/).



Incautos nos cuenta la historia de Ernesto, un timador profesional que ha pasado su vida engañando a las personas para su beneficio económico. Desde su infancia, y junto a su amigo "El Gitano", aprendía todos los trucos y detalles de lo que para ellos era un arte: estafar. Años después durante un robo, "El Gitano" fue arrestado y Ernesto logró escaparse. Sin él, Ernesto se sintió perdido hasta que encontró a "El Manco", un señor mayor que tenía años en el negocio y que llego a admirar como un padre. "El Manco" le presentó a Federico, otro experto en el arte del timo, junto con el cual buscaban dar el golpe más grande de sus vidas para retirarse. Entre desconfianzas, mentiras y el regreso de "El Gitano" en su vida, todo parece complicarse para salir airosos en este plan.



El estilo de Miguel es muy dinámico en la primera mitad donde resaltan los cortes rápidos en su edición. Lamentablemente no logró plasmarlo en la segunda mitad de la película donde se hace pesada entre tantos twists en la trama. La actuación es notable contando con la participación de actores experimentados como Federico Luppi haciendo el papel de Federico, y otros más jóvenes como el del protagonista Ernesto Alterio, haciendo el papel de Ernesto el cual es mejor recordado por su papel en la película de Marcelo Piñeyro, El Método.



En conclusión, es un buen thriller tal vez algo enredado por la cantidad de twists sobretodo al final de la película pero es recomendable así sea por su primera mitad. Pudo haber sido mejor y es probablemente por ese toque que le falta a este director que tiene un gran potencial pero le falta explotar un poco más sus virtudes.

I Tre Volti Della Paura / Black Sabbath / The Three Faces Of Terror

Director: Mario Bava
Italia, 1963

Mario Bava fue uno de los directores más reconocidos durante la era dorada del cine italiano en el género del giallo y el terror. Sus inicios fueron en el área de la cinematografía y no fue sino hasta 1960 cuando dirigió su primera película “La Maschera del Demonio”, también conocida como “Black Sunday”. Tres años después dirigió “I Tre Volti Della Paura”, una de las películas más laureadas de Bava. Esta película está segmentada en tres historias independientes basadas en escritos de Cechov, Tolstoi y Maupassant. Todo esto con una breve presentación de uno de los íconos del terror, Boris Karloff.

“El Teléfono” es la primera de la historias y tal vez la más floja del conjunto. Nos presenta la historia de Rosy la cual comienza a recibir extrañas llamadas durante la noche. Esta persona también la observa mientras habla con ella y la amenaza de muerte. El desenlace es más inclinado a una película de suspenso que de terror. Lo más resaltante es el leve tono lésbico que se presenta, lo cual era un tema tabú para la época (en la versión americana esto fue eliminado).

“El Wurdalak” es una historia de vampiros, aunque en este caso estos seres anhelan la sangre de aquellos que aman. De esta manera se presenta la historia de una familia que espera la llegada de su papá, interpretado magníficamente por Karloff. Este les había dicho que si se tardaba más de 5 días en regresar, lo mataran porque se había convertido en un Wurdalak. Pasados pocos minutos después de cumplirse el tiempo límite, él llega a la casa y la familia lo deja entrar a la casa ante la duda de si se ha convertido en un Wurdulak o no. Tiene unas excelentes escenas algo escalofriantes y Bava logra montar un ambiente tenso dentro de la casa. Técnicamente es una de las que más impresiona ya que el efecto logrado por el uso de la luz, las sombras y los colores resalta el toque macabro a la historia.

“La Gota de Agua” es la historia que concluye esta trilogía y tal vez la más terrorífica. No daré a conocer muchos detalles de la historia pero básicamente trata sobre una mujer difunta que regresa de la muerte en busca de algo que le fue arrebatado en su lecho de muerte. De nuevo es notable el uso de las sombras y colores en este segmento. En general es una película muy entretenida de clásico terror con ese toque que ya se ha perdido en las películas que se realizan actualmente en este género. Recomendable verlas a altas horas de la noche en la soledad de tu cuarto.

Scanners

Director: David Cronenberg
Canada, 1981

Scanners es uno de los primeros largometrajes del canadiense David Cronenberg y sigue la temática común en sus películas realizadas a finales de los 70 y durante los 80 como es la transformación/deformación física del cuerpo humano, la cual sería luego perfeccionada en películas como The Fly, Videodrome y Dead Ringers.

La trama es sencilla: los scanners son personas que poseen habilidades psíquicas y telekinéticas, por lo tanto tienen la facilidad de controlar la mente de las personas, mover objetos a su gusto entre otras cosas. Sólo existen pocas personas con estas habilidades en el mundo pero para algunos de ellos no es fácil controlarlas, como es el caso de Cameron Vale. Este es capturado por una organización llamada Consec que se encarga de entrenar a los scanners para que estos puedan controlar sus poderes y no hagan uso indebido de ellos. Es allí donde dicha organización, valorando la gran capacidad psíquica de Cameron, le encomiendan la misión de acabar con un poderoso scanner llamado Darryl Revok, el cual obtuvo una lista de la población de scanners y los está eliminando uno por uno.

Uno de los puntos más débiles de la película es la floja actuación del personaje de Cameron Vale: frío, inexpresivo y hasta algo torpe; la cual no se equipara a la de Michael Ironside encarnando el papel del malvado Darryl Revok. Destaca también el soundtrack compuesto por Howard Shore (famoso por la banda sonora de la trilogía de Lord of the Rings), marcando esta película el inicio de una duradera relación con Cronenberg componiendo la mayoría de las bandas sonoras de sus películas.

En conclusión, es una película que se deja ver, sin muchas complicaciones y va directo al grano. Imperdible es la escena final entre Vale y Revok, donde vemos el verdadero toque Cronenberg de los 80’s: deformaciones humanas y mucha, mucha sangre. A pesar de su bajo presupuesto, es una pequeña joya del cine de ciencia-ficción donde Cronenberg logra impactar al público en el ámbito visual mostrando sin ninguna reserva imágenes impactantes y hasta repugnantes para muchos en conjunción con una interesante trama.

Regarde La Mer

Director: Francois Ozon
Francia, 1997

Una de las constantes dentro de las películas del francés Francois Ozon es el erotismo que cada una de ellas exuda. Regarde La Mer no es ninguna excepción. Pero aparte de este erotismo, la película está envuelta en un halo de misterio y terror capaz de hacer sentir incómodo al más asiduo de los cinéfilos de este género.

Sasha es una joven inglesa viviendo con su pequeña hija en una tranquila isla francesa. Su esposo se encuentra fuera de casa trabajando por lo que la mayor parte del tiempo ella está sola. Toda esta tranquilidad se ve interrumpida cuando una joven llamada Tatiana toca a su puerta y le pregunta si es posible quedarse en el patio trasero de su casa para acampar. Al comienzo es reacia a la idea, pero luego acepta. Ella no la ve como una amenaza y seguro le haría compañía en sus solitarios días.

Tatiana es un alma libre y aventurera que le recuerda a Sasha su juventud y de cómo ha cambiado su estilo de vida a causa de su matrimonio y el nacimiento de su hija. Sasha está frustrada. Su esposo nunca está en casa y está desesperada por relacionarse sexualmente con alguien. Poco a poco nuestras protagonistas comienzan a conocerse, mostrando Tatiana una personalidad misteriosa y algo bizarra, lo cual va abriendo paso a un desconcertante desenlace.

Estéticamente hablando resaltan las escenas en la playa, donde Sasha comparte con su pequeña hija, las cuales difieren con la tenue iluminación dentro de la oscura casa. Durando poco menos de una hora, esta película es un buen punto de inicio para aquellos que se aventuren a descubrir la filmografía de este visionario director. Además de sus excelentes largometrajes, sus películas de corta duración realizados al comienzo de su carrera reflejan una calidad y originalidad ciertamente notable.

XXY

Director: Lucía Puenzo
Argentina, 2007



Film debut como directora de Lucía Puenzo y ganadora de varios premios a nivel mundial (Cannes, Goya, entre muchos otros), además fue seleccionada por Argentina como su representante para la nominación de Mejor Película Extranjera en los premios Oscar. La temática de la película puede resultar algo escabrosa y desconocida para la gran mayoría de los cinéfilos ya que es un tema que se toca con muy poca frecuencia: el hermafroditismo.



A pesar de lo controversial del tema, Lucía logra plasmar la historia con un gran dramatismo y realidad sin llegar a lo morboso. La historia se enfoca en Alex, una joven de 15 años y hermafrodita, que a pesar de su condición y debido a su medicación, mantiene sus rasgos femeninos. Teniendo Alex muy corta edad, sus padres decidieron dejar la ciudad de Buenos Aires y aislarse lo más posible de la atención de las personas en un pequeño pueblo en Uruguay. Es aquí donde reciben a un amigo cirujano, junto con su esposa e hijo, el cual es una esperanza para poner fin a la condición de Alex.



La personalidad de Alex comienza a ser errática al momento que deja de tomar sus medicamentos y comienza a relacionarse con Alvaro. Es esta relación uno de los aspectos resaltantes de la película y con el cual se llega a un impresionante e inesperado clímax. Asimismo, se refleja en profundidad la relación de Alex con su familia y la manera de estos de enfrentar y lidiar con la vida diaria.



Notable es la actuación de Inés Efron en su papel de Alex y del ya experimentado Ricardo Darín (Nueve Reinas, El Hijo de la Novia, El Aura, etc) como su padre. Esta película es una excelente muestra del nuevo cine argentino y un prometedor comienzo para esta joven pero valiente directora.

Paris, Je T'aime

Directores: Frédéric Auburtin, Emmanuel Benbihy, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Ethan & Joel Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Gérard Depardieu, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Daniela Thomas, Tom Tykwer, Gus Van Sant

Francia, 2006

Paris, Je T’aime es un film colectivo compuesto por 18 cortos, cada uno bajo la dirección de reconocidos directores tales como los hermanos Coen, Isabel Coixet, Tom Tykwer y Gus Van Sant, por nombrar algunos. Así también reúne una gran cantidad de actores como Steve Buscemi, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Elijah Wood, Gerard Depardieu, Natalie Portman, entre otros.

Todos los cortos tienen en común la hermosa ciudad de París, y la temática varía desde el romance hasta el drama, pasando por un poco de comedia y un pequeño toque de terror. Se logró una gran variedad en los diferentes cortos y hay para todos los gustos lo cual era de esperarse debido a la heterogeneidad en la selección de los directores. Los lugares más emblemáticos de la ciudad son retratados en cada uno de los segmentos; desde la Torre Eiffel hasta el Arco del Triunfo por sólo nombrar algunos, dándole un aire turístico a la película.

Algunos de los cortos pueden parecer algo aburridos (ej. “Loin de 16ème” protagonizada por la colombiana Catalina Sandino Moreno), y otros algo descabellados (ej. “Porte de Choisy” de Christopher Doyle), pero el balance final de todos los cortos es muy bueno y diverso, siendo los más recomendables el de los Hermanos Coen protagonizado por el inconfundible Steve Buscemi y la historia de romance entre un ciego y una actriz (interpretada por Natalie Portman) y dirigida con mucho estilo por Tom Tykwer. Es fascinante ver el desenvolvimiento de estos directores de renombre trabajando en este formato de corta duración.

Recomendable para aquellos buscando diversidad e historias de romance en una de las ciudades más hermosas del mundo. La próxima entrega bajo este formato será “New York, I Love You” la cual será estrenada en el 2009.

The Tracey Fragments

Director: Bruce McDonald
Canada, 2007

Película canadiense protagonizada por Ellen Page, popular por su papel de adolescente embarazada en Juno (la cual le valió una nominación al Oscar), esta vez hace el papel de Tracey Berkowitz; una adolescente depresiva la cual lleva una relación problemática con su familia. Esta relación empeora en el momento que el hermano de Tracey se pierde y toda la culpa recae sobre ella. La película sigue a Tracey mientras busca a su hermano así como también relata parte de su vida diaria tanto como con su familia como en su colegio, donde es molestada por todos sus compañeros e incluso tiene el sobrenombre de “La Chica Sin Pechos”.

En realidad, temáticamente hablando la película no es nada original. Donde realmente resalta es en el aspecto visual. La película se presenta en varias fragmentos (de ahí el título) o cuadros por así decirlo, usados de una manera muy creativa en gran parte de la película lo cual puede ser observado en las imágenes. Se puede notar que fue llevado a cabo un gran proceso de edición y post-producción para la realización de esta película.

El soundtrack de la película fue realizado por la banda canadiense Broken Social Scene, muy conocida en la escena musical indie, y también presenta canciones de Fembots, The Deadly Snakes y Slim Twig (que hace el papel de Billy Zero en la película).

La actuación de Ellen Page, así como el soundtrack son lo más sobresaliente. La película puede ser tomada como un interesante y original experimento el cual debe atraer a todos aquellos buscando algo diferente.